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Teatro anterior1936


TEMA 7. EL TEATRO ESPAÑOL ANTERIOR A 1936: Tendencias, rasgos principales, autores y Obras más significativas

7.1El teatro comercial: teatro realista (Jacinto Benavente), teatro cómico (Pedro Muñoz Seca y Carlos Arniches) y teatro poético (Eduardo Marquina).

7.1.1 Introducción

El desarrollo del teatro español durante el Primer tercio de siglo ofrece una clara dicotomía. De una parte, un teatro que Triunfa porque goza del favor del público burgués y de unos empresarios atentos A sus gustos. De otra parte, repetidos intentos de renovación que, con muy Contadas excepciones, se estrellan contra las barreras comerciales o con el Gusto establecido. Valle-Inclán y Lorca, síntesis y ejemplos máximos de tales Inquietudes, se alzan como las dos cumbres indiscutidas.

            Conviene recordar las particulares Circunstancias que rodean al género teatral en el periodo que estamos viendo. Como espectáculo, en efecto, pesan sobre él unos condicionamientos Comerciales muy fuertes: predominan los locales privados, cuyos empresarios Han de tener muy en cuenta los gustos del público de la sala.

            Esto tiene consecuencias en dos Terrenos. En lo ideológico, por una parte, son escasas las posibilidades De un teatro que vaya más allá de donde puede llegar la capacidad de Autocrítica del público. En lo estético, habrá fuertes resistencias ante Las experiencias que se salgan de las formas tradicionales: a las nuevas Tendencias les será mucho más difícil llegar a los escenarios. Por ello, los Autores que no respondan a las condiciones imperantes, se verán ante un dilema: Claudicar ante las condiciones o resignarse a que su producción quede relegada A una lectura minoritaria.

            Así se explica que el teatro español Del primer tercio del Siglo XX se reparta en dos frentes:

1. El Teatro que triunfa, continuador del que imperaba a Finales del Siglo XIX. En esta línea se sitúan:

Una comedia burguesa, Con Benavente y sus seguidores, en la que hay atisbo de crítica social.

Un teatro verso, Neorromántico y con aportaciones formales del Modernismo. Destacan: Eduardo Marquina, Francisco Villaespesa y los hermanos Machado.

Un teatro cómico, Con predominio de un costumbrismo tradicional.

2.
El Teatro que pretende innovar, sea aportando nuevas técnicas, sea Adoptando nuevos enfoques ideológicos, o ambas cosas a la vez. En esa dirección Se hallan:

-En la primera generación, las Experiencias teatrales de algunos  noventayochistas o coetáneos. Caso Especial es el de Valle-Inclán.

-Más tarde, nuevos impulsos Renovadores, debidos a las vanguardias y a la generación del 27. La obra de Lorca será síntesis y cima de las inquietudes teatrales del momento.

7.2 El teatro que Triunfa

 a) La comedia benaventina

                  Jacinto Benavente (Madrid, 1866-1954) es la figura más representativa de las posibilidades y limitaciones Del momento. Tuvo un comienzo audaz con El nido ajeno (1894), sobre la Actuación opresiva de la mujer casada en la sociedad burguesa. Los jóvenes Inquietos aplauden su carga crítica y, a la vez, lo saludan como un renovador Del lenguaje teatral, por su pulcritud y su discreción. Pero la comedia fue un Fracaso: tuvo que retirarse del cartel ante la indignación del público.

                  Se vio entonces Benavente ante El citado dilema: mantener la carga crítica y verse rechazado o aceptar los Límites impuestos y limar asperezas. Escogería lo segundo. El tono va Atemperándose en sus obras siguientes: entre otras, La noche del sábado(1903), Rosas de otoño (1905)… Sigue retratando  a las clases altas, con sus hipocresías y Convencionalismos; sabe que al público burgués  Le gusta sentirse criticado hasta cierto punto, que se cuida de no Traspasar. Y así, no sólo es tolerado, sino cada vez más aplaudido.

                  Sus obras se manténían en la Línea  de la llamada “comedia de salón”, Salvo excepciones. La excepción más notable es Los intereses creados (1907), Su obra maestra, pero que encierra una cínica visión de los ideales burgueses.

                  También intentó el drama Rural.
Su mayor éxito sería La malquerida (1913), sobre una Devastadora pasión incestuosa. No le falta fuerza ni habilidad constructiva, pero No acertó con un lenguaje que fuera convincentemente rural y poético a la vez.

                  En la segunda década del Siglo, su fama ya se había consolidado. En 1912, entra en la Real Academia. En 1922, se le concede el Premio Nobel. Por entonces, la crítica joven le es Hostil, pero el éxito de público (burgués) seguirá acompañando a sus obras Posteriores.

                  El lugar de Benavente en la Historia del teatro debe establecerse por contraste con las corrientes que Imperaban cuando él llegó a la escena. Le corresponde el haber barrido los Residuos del drama postromántico, proponiendo un teatro sin grandilocuencia, Con una fina presentación de ambientes cotidianos. Destaca su habilidad Escénica, su ingenio y la fluidez de sus diálogos.  

                  Sus dramas responden a lo que él mismo escribíó que debía ser el teatro: un medio o un instrumento de ilusión Y de evasión.

                  En conclusión resumimos que el Teatro de Benavente compone una crónica, casi siempre amable, de las Preocupaciones y los prejuicios burgueses, por medio de una suave ironía y que Gozó del favor de su público habitual, la burguésía.

b) El teatro en verso

            Lo que a principios de siglo se Llamaba “teatro poético” combinaba resabios posrománticos con rasgos de Estilo modernista.

            Todo allí iba asociado a una Ideología tradicionalista que responde exaltando los ideales nobiliarios y los Grandes hechos del pasado. Incluso formalmente hay cierta voluntad de emular el Teatro del Siglo de Oro, aunque hoy nos parezca más cercano al de Zorrilla.

            De esta línea destacan:

Francisco Villaespesa (1877-1936) Es autor de poemarios de un Modernismo fácil Y superficial. Sus dramas son ejemplo de aquella mirada a las glorias      pasadas; basta citar títulos como Doña María de Padilla, La leona de Castilla,                        Aben-Humeya … Son torrentes de versos briosos.

Eduardo Marquina (1879-1946) alternó También la lírica y el teatro.       Cosechó Grandes éxitos de público con inevitables dramas históricos, como          Las hijas del Cid, En Flandes Se ha puesto el sol  o Teresa de Jesús, etc.

            Dentro del teatro en verso cabe Situar las obras escritas en colaboración                                 por Los             hermanos Machado Con obras como La Lola Se va a los puertos, su                            título Más estimable, sobre una bella cantaora,  Que desdeña a los señoritos                                  y Le entrega su amor a un guitarrista que simboliza al pueblo.

C) El teatro cómico

            En Las primeras décadas del Siglo XX predominó el género cómico, con frecuencia Acompañado de elementos líricos (música, canto y baile). Su finalidad básica Fue el entretenimiento del público.

El teatro cómico se Divide en los siguientes géneros:

-Obras Con música: la opereta, la revista y el vodevil

-Obras Sin música: el juguete cómico, el sainete y el astracán.

Entre los géneros Que alcanzaron éxito de público destacamos el sainete.
Los tipos y Ambientes castizos habían inspirado los sainetes de Don Ramón de la Cruz, en el Siglo XVIII, o el “género chico” del XIX. Tal es la línea que prolongan, entre tantos, los Quintero o Arniches.

Los hermanos Álvarez Quintero, Serafín (1871-1938) y Joaquín (1873-1944), Nacidos en Utrera, llevan a escena una Andalucía tópica y sin más problemas que Los sentimentales. Para ellos todo el mundo es bueno y reina la gracia Salerosa. De su extensa producción, sobresalen los sainetes  y “juguetes cómicos en un acto” o ciertas Comedias que vienen a ser “sainetes en tres actos”. Ligereza y diálogo Intrascendente son los rasgos de obras como El patio , El genio Alegre , Las de Caín , etc.

Carlos Arniches (1866-1943) ha merecido mayor interés de la Crítica. Su producción presenta dos sectores. De una parte, los sainetes de Ambiente madrileño, interesantes por un habla castiza en parte creada por el Autor y en la que se basa la gracia del diálogo. Algunos títulos: El santo de la Isidra, Los milagros del Jornal, La chica del gato o Don Quintín el amargao, entre muchos.

Su  otra vertiente, dominante a partir de 1916, Es lo que el llamó “comedia grotesca”, tímido pero interesante intento De un género nuevo. Son obras en las que se funden lo risible y lo conmovedor, Con una observación de costumbres más profunda y una actitud crítica ante las Injusticias. Ejemplo de ello es La señorita de TréVélez, sobre una Sangrante broma de unos señoritos provincianos. La visión social alcanza cierta Agudeza en Los caciques.

En Un nivel inferior de calidad situemos el género cómico “astracán”, cuyo creador es Pedro Muñoz Seca.
Son piezas descabelladas, sin más objetivo que arrancar la Carcajada, pero no puede olvidarse un título como La venganza de Don Mendo, hilarante parodia de dramas ROMánticos y, de rechazo, del teatro en verso de aquellos años.

7.2. El teatro renovador: tendencias. Federico García Lorca

7.2.1 Algunas Tentativas renovadoras

Es desolador Comprobar el fracaso que acompañó a experiencias de indudable interés. Los Primeros intentos de renovación teatral fueron llevados a cabo, entre otros Autores, por Jacinto Grau, Unamuno y Azorín. Si embargo, el teatro español de Las primeras décadas del Siglo XX solo alcanzó la cima con la obra de Valle-Inclán y Lorca, los únicos que lograron una calidad indudable en la Renovación teatral que muchos habían pretendido.

Jacinto Grau


Autor que se dedicó exclusivamente al Teatro, un teatro “distinto”, denso, culto, que despertó interés en el Extranjero pero fracasó en España. Su obra, poco extensa, se interesa Especialmente por grandes mitos o temas literarios. Su obra maestra es El Señor de Pigmalión  transposición Moderna del famoso mito clásico. Por su originalidad dramática, así como por Las calidades líricas de su estilo, Jacinto Grau está por encima del teatro que Triunfó en su tiempo.

            Ramón Gómez de la Serna (1888-1963), Dentro de su ideal de un “arte arbitrario”, escribíó piezas polarmente Distantes de lo que se podía ver en las tablas y que, en su mayoría, se Quedaron sin representar. Era, como él mismo dijo, “un teatro escrito para el Que no quiere ir al teatro”. Anticipándose en muchos años, habló de un “anhelo Antiteatral”. Compuso obras como La Utopía, El laberinto, Teatro en soledad, Verdaderamente insólitas. En 1929 estrenó Los Medios seres, cuyos personajes aparecen con la mitad del cuerpo totalmente Negra, como símbolo de la personalidad incompleta.

El teatro en la “Generación del 27”

            Tres facetas destacan en la Dramática de la generación: a) una depuración del teatro poético; b) la incorporación De las formas de vanguardia y c) el propósito de acercar el teatro al pueblo. Estas facetas pueden confluir, en ocasiones: el ejemplo máximo es García Lorca.

            Rafael Alberti había Estrenado antes de la guerra dos obras muy distintas. Una, El hombre Deshabitado, de tipo surrealista, trata de la misma crisis que le inspiró Sobre los ángeles y nos presenta a un hombre perdido frente a un Dios absurdo. La otra obra, Fermín Galán, sobre un héroe republicano fusilado, Representa, en cambio, su giro hacia una literatura comprometida. Alberti Seguirá cultivando un teatro político, cuya obra más importante es la posterior Noche de guerra en el Museo del Prado (1956), de valores teatrales Indiscutibles.

            Max Aub (1903-1972) además de Novelista es un importante dramaturgo. Entre 1923 y 1935 escribe, como él dice, “comedias de vanguardia impropias para los teatros españoles”. Fue un pionero De la frustrada revolución escénica. Su tema central es la incapacidad del Hombre para comprenderse, para comprender la realidad y para comunicarse: obras Como Una botellaNarciso, Sobre el mito clásico lo reflejan.

            Alejandro Casona (1903-1965) es un dramaturgo puro. Se reveló con el premio “Lope de Vega” Otorgado en 1934, aLa sirena varada, ingeniosa y poética, a la que sigue Otra vez el Diablo (1935), en la que se confirma su personal combinación de humor y Lirismo. Un gran éxito fue Nuestra Natacha (1936), más por sus facetas Políticas que por sus méritos. Continuó su producción en el exilio, con títulos Muy estimables: La barca sin pescador, Los árboles mueren de pie, La dama del alba… La última es acaso la mejor. Destacan en Casona la Habilidad constructiva y la equilibrada combinación de realidad y fantasía.

            En 1927 inicia su carrera teatral Jardiel Poncela. Mihura escribe Tres sombreros de copa en 1932, aunque La estrenó veinte años más tarde.

7.2.2 Federico García Lorca

Lorca Crea el verdadero teatro poético, tanto en el sentido de  girar en torno a Símbolos medulares —la sangre, el cuchillo o la rosa—, desarrollarse en Espacios míticos o de un Realismo trascendido, y encarar de manera profunda los Problemas sustanciales de la vida, como en cuanto a la utilización de un Lenguaje cargado de connotaciones. En él, además, cobran Importancia otros componentes como la música, la danza y la escenografía, Configurando así un espectáculo total.

A) Primeras obras


Sus primeros trabajos están emparentados con el texto Modernista. Por ejemplo, El maleficio de La mariposa, estrenada en 1920, de espíritu simbolista y que supuso un auténtico fracaso.  Por otro lado, dentro de sus primeras obras, podemos también incluir “Mariana Pineda”, escrita en 1925 (aunque Estrenada en el 27, con decorados de Dalí y la famosa Margarita Xirgu en el Papel principal) con la que revitaliza el drama en verso´.

B) Las farsas


Obras en las que Lorca funde lo lírico y lo grotesco. Giran en torno al Conflicto derivado de los matrimonios de conveniencia entre un viejo y una niña, Y sus consecuencias: adulterio, discusiones frecuentes, etc. Podemos dividirlas En dos apartados:

            -Farsas para guiñol, “El retablillo de D. Cristóbal”, que Trata sobre el adulterio de la        joven Esposa.

            -Farsas para personas. “La zapatera prodigiosa” obra con final Feliz y “Amor de don       Perlimplin con Belisa En su jardín”, obra ligada también al tema del adulterio femenino,       en la que Belisa, toda pasión y ardor, Engaña a su marido en la misma noche de bodas,        con Cinco hombres, representantes de cada una de las razas de la tierra.

C) Dramas irrepresentables


Forman parte de estos dramas “Así que Pasen cinco años”, “El público” y la inconclusa “Comedia sin título” de la que solo conservamos el primer acto. En Ellas se observa la influencia de del Surrealismo. Se trata de un teatro que Anticipa la ruptura de la lógica espacio-temporal, el desdoblamiento de la Personalidad y la posibilidad de varias interpretaciones.

D) Doña Rosita la soltera


De 1935, se iniciaba con ella un ciclo orientado hacia la comedia. Pero la Historia de la solterona granadina que espera la vuelta del novio hasta la Vejez dista de responder a parámetros convencionales. A pesar del tratamiento Irónico de lo cursi, el tono de la obra cambia hasta convertirse en amarga Meditación sobre el deseo incumplido, enlazando así con sus tres grandes dramas Rurales..

E) Dramas rurales


Las grandes obras de Lorca son sus Tres tragedias rurales, centradas en el mundo femenino.
La Frustración, que conduce al destino trágico, es el hilo Conductor de cada una de ellas. Se centran en un mundo rural apegado a las supersticiones, Las costumbres ancestrales, las faenas de la tierra y la preocupación por el Qué dirán.

Las Tres obras incluidas dentro de estos dramas rurales son:

            –
Bodas de Sangre, Estrenada en 1933 y aclamada unánimemente. Es la primera de la   trilogía y está basada en un acontecimiento Real que Lorca conocíó. En ella  la Pasión         sexual y el amor adúltero, Junto a un concepto calderoniano del Honor, desencadenan          la tragedia. En esta obra, en la que aparecen elementos del teatro griego, como el coro,             el destino o la catástrofe, el Ambiente dramático que la envuelve es muy similar a         muchos de los poemas de “Romancero gitano”, con presencia de Elementos simbólicos    y poéticos como la Luna, la noche o una atmósfera cargada de muerte.

-Yerma

En el marco de un matrimonio impuesto por decisión paterna, Yerma vive       obsesionada porque no puede tener hijos Con su marido. Educada en la obediencia al             padre Y al marido y en la creencia de que el sexo no está hecho para gozar sino para       engendrar hijos, se resigna a esperar el Milagro de la maternidad que sabe que nunca llegará. La presencia de un antiguo pretendiente y un arranque de desesperación y       locura, desencadenan la tragedia final en La que protagonista acabará         asesinando A    su marido y , dentro de su  marco mental, a su propio hijo. Lorca utiliza Una amplia serie de símbolos como Recursos para marcar los sentimientos o las situaciones de los                       personajes A lo largo de la obra.. Algunos de            estos Son: la imagen y mención al agua            de Lluvia o la fuente, que representan la fecundidad; del agua corriente y la Leche, que           es la esperanza que Tiene la mujer de quedar embarazada; las flores (sobre todo la   rosa), que son la alegría ante la            maternidad; en cambio, la roca, la Sequedad, la            arena y las Sombras simbolizan la esterilidad de así como el muro, que representa el         impedimento.

Casa de Bernarda Alba

Viene a cerrar, aunque no Premeditadamente, el ciclo de        tragedias Rurales iniciado cinco años atrás; pero también a iniciar un nuevo camino que            se vio truncado de forma cruenta e Inesperada. Escrito semanas antes de ser   asesinado, Este “drama de mujeres en los pueblos de España” se halla muy     relacionado con las dos tragedias anteriores Del dramaturgo, tanto espacial como temáticamente, Pero presenta importantes novedades, como son la ausencia absoluta          de partes versificadas y la radical Disminución del componente lírico —no así el             simbólico, Inseparable de su estética—; así como otra ausencia, acaso más llamativa:             la completa desaparición de personajes Masculinos en escena.

            El ambiente asfixiante del único Espacio donde transcurre la acción, las habitaciones   inmaculadamente blancas y el patio —de un blanco ligeramente Oscurecido, donde se            refleja la Degradación de una pureza forzada que ha pretendido imponer la madre— del       interior de la casa donde viven la viuda Bernarda y sus cinco hijas, junto con La Poncia y una criada, supone la culminación simbólica, a través del espacio Escénico.

            El mismo fuego erótico que devora a La novia fugada de Bodas de Sangre quema las entrañas de Las hijas de Bernarda Alba, especialmente de Martirio y Adela, que anhelan             al hombre destinado a casarse con Angustias, la mayor de las hermanas y poseedora     de una cuantiosa fortuna heredada de quien fuera primer marido de Bernarda; pero             será la más Joven, Adela, quien logre gozar a Pepe el Romano, el macho ausente,        aunque siempre presente en la mente de Las mujeres de la casa y el aire —un viento de           libertad Y vida— que rodea esta. La envidia y los celos de Martirio harán que se                enfrente a su hermana como una Gata encelada, en una disputa previa al desenlace      trágico de la obra.

”.

7.3. La trayectoria dramática de Ramón María del Valle-Inclán

Su teatro es el de Más absoluta y radical originalidad en el teatro español del Siglo XX. En su Trayectoria dramática se observa una constante voluntad de renovación formal y Temática( desde el Modernismo inicial al esperpento) y una pretensión de romper Con el teatro de su época.  Entre las distintas clasificaciones que se han Hecho del teatro de Valle-Inclán , la más interesante es la que agrupa sus Obras en ciclos que se van desarrollando de manera concéntrica y paralela:

A.) Ciclo modernista


En esta etapa destaca la obra “Cenizas”, reelaborada en 1908 bajo El título “El yermo de las almas”;
“El marqués de Bradomin“(1906), adaptación parcial de la Novela “Sonata de otoño”; los dos Breves poemas dramáticos en prosa “Tragedia De ensueño“(1903) y “Comedia De ensueño“(1905), incluidos en Jardín umbrío;”Cuentos de Abril (1910) y “Voces de gesta”(
1911).
Estas obras iniciales están basadas en un esteticismo decadente al amrgen de la Realidad; Valle-Inclán saldrá de él a través de dos caminos diferentes: el mito Y la farsa.

B.) Ciclo Mítico


En este ciclo resalta la obra “Comedias Bárbaras”, trílogia formada por ” Ágüila de Blasón”(1907), “Romance de lobos”(1908) y “Cara de Plata”(1922); “El embrujado”(1913) y “Divinas Palabras”(1920). Partiendo de una Galicia real, de su paisaje y sus Gentes, Valle-Inclán construye una imagen del hombre y del mundo que no es Histórica, sino mítica e intemporal. Nos presenta un cosmos casi primigenio en El que fuerzas elementales, como el mal; la irracionalidad, la violencia y, Sobre todo, la avaricia, la lujuria y la muerte, rigen la existencia y el Destino de los protagonistas: hidalgos arcaicos, mendigos, seres tarados, Marginados y violentos.

C.) Ciclo De la farsa


Frente a la Galicia intemporal y primigenia Del ciclo mítico, Valle-Ínclán plasma aquí un espacio escénico fundamentado en Un Siglo XVIII versallesco, también a-histórico, y tamizado por el Modernismo. Las obras de este ciclo se basan en un continuo contraste entre lo sentimental Y lo grotesco. La caricatura pre-esperpéntica que aparece en estas obras Anuncia la nueva mirada que Valle-Ínclan va a dirigir sobre la España Contemporánea.
Algunas de las obras propias a este ciclo son “Farsa infernal de la cabeza del dragón“, “La marquesa Rosalinda” La Marquesa Rosalinda, farsa sentimental y grotesca, Protagonizada por personajes de la commedia Dell’arte  y”Farsa italiana de la enamorada del Rey”.

D.) Cíclo Esperpéntico


La producción dramática de Valle culminó en El esperpento. Él mismo denominó así a cuatro de sus obras

: Luces de bohemia, Los cuernos De don friolera, Las galas del difunto y La hija del capitán. (Martes de Carnaval

El esperpento, definido en Luces de bohemia mediante la Utilización de la metáfora de los espejos cóncavos (Max Estrella dice “los Héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el esperpento”[1], con lo Que indica que la técnica de la esperpentización consiste en la  transformación tras el espejo cóncavo de algo Que parecía bello y noble en algo deformado, ridículo y absurdo) resulta ser un PROCEDIMIENTO ESTÉTICO que utiliza el humor y el distanciamiento para deformar Sistemáticamente la realidad (personajes, lugares, situación socio-política, Ambiente cultura…). De esta forma se desmitifica y se evidencia lo absurdo y Ridículo de la existencia. El punto de vista de valle
Inclán es el de demiurgo, Creador que muestra a sus criaturas-creaciones desde una perspectiva superior. Su finalidad es mostrar esta esencia ridícula a través de la exageración de lo Grotesco y horrible presente en una sociedad igualmente grotesca, violenta, Maliciosa.

Algunas de las Carácterísticas del esperpento son:

1) Lo grotesco como forma de expresión:

            *Degradación de los personajes.

            *Reificación o cosificación de Los personajes,por las obras Deambulan           borrachos, Prostitutas, pícaros, mendigos, artistas fracasados, bohemios,      presentados como marionetas sin voluntad, Animalizados y cosificados     

            *fusión             de formas humanas y animales

            *Mezcla de mundo real y de pesadilla

            * Utilización de un lenguaje Extremadamente vulgar por parte de algunos          personajes Populares (palabras soeces, incorrecciones gramaticales, etc)

            2

) La deformación sistemática de la realidad:

            *Apariencia De burla y caricatura de la realidad

            *El significado profundo, semi Transparente, cargado de crítica e intención       satírica Que constituye la auténtica lección moral

3) La Presencia de la muerte como personaje fundamental

            4) Los Escenarios dominantes son tabernas burdeles, antros de juego,        interiores míseros, calles inseguras de Madrid

Sin Duda la obra cumbre de Valle-Inclán es “Luces de Bohemia El argumento de Luces de Bohemia consiste en la dramatización de la última noche de La vida de Máximo Estrella. A partir de esta anécdota, Valle nos quiere dar una Imagen de la España de su tiempo, dominada por la miseria, la locura y la Violencia.

En La obra podemos encontrarnos con dos temas que van indisolublemente unidos: a. El problema del individuo.- Sin duda, uno de los puntos de atención de Valle en Su obra es la reflexión sobre la “condición humana”. Esta reflexión la lleva a Cabo de dos maneras: ß Por un lado, centrándose en Max, que aparece Caracterizado como un héroe que se enfrenta a un destino trágico que le llevará A la muerte.

 Por otro lado, aparece la figura de Latino, Representando al hombre sin moral, al hombre que es capaz de sobrevivir, incluso, En los infiernos.

Pero A partir de los individuos concretos que protagonizan la obra, Valle nos Ofrecerá en Luces de Bohemia una amarga reflexión sobre la sociedad española de Su tiempo: “España es una deformación grotesca de la civilización europea” (Escena XII) La crítica social de Valle no se dirige contra individuos, clases o Colectivos concretos, sino que es una queja total contra toda la vida nacional. En la obra aparecen criticados y esperpentizados grupos sociales de distinta índole: el mundo artístico bohemio absurdo e inútil (los modernistas), los Políticos corruptos (el ministro), los policías brutales, las agrupaciones Paramilitares, los periodistas al servicio del poder, los poetas fracasados, la Burguésía (los comerciantes), las prostitutas y los borrachos. En definitiva, La España que aparece en la obra es una multitud que vive como puede, hundida En la miseria moral y económica: “En España el mérito no se premia; se premia El robo y el ser sinvergüenza. En España se premia todo lo malo” (Escena XIV) En este panorama social tan terrible hay algunos personajes que destacan por su Humanidad y por su heroísmo en el vivir: Max (en algunos momentos), la familia, La madre del niño muerto y el anarquista catalán.




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