Apuntes para todos los estudiantes y cursos

Teatro realista o social

Valle-Inclán

El teatro de Valle-Inclán puede ser considerado el más original en el general dramático español del Siglo XX. En su trayectoria dramática, hasta llegar al esperpento se observa una evolución que se base en el esfuerzo por renovar formal y temáticamente el teatro de su época y por romper con el teatro realista y con los modelos establecidos. Así desde el principio su teatro no se ajusto en el espacio escénico de su época. En sus inicios adepto al corriente modernista con personajes con lenguajes y actitudes realistas tratados de forma irónica y caricaturesca (Marqués de Bradomín).  Mas adelante escribió sus dramas localizados en una Galicia mítica y atemporal (Comedias Barbarás y Divinas Palabras). En estas se representa una sociedad arcaica regida por fuerzas primarias. A partir de 1920 crea el esperpento con su obra Luces de Bohemia. El esperpento que se caracteriza por la presentación de una realidad deformada y grotesca y revelarla tal y como es. Valle-Inclán utilizo la realidad deformada para criticar duramente su época. Entre las características de este hay que destacar la degradación de los personajes que los animaliza cosifica o muñequización, la presencia de contrastes sobre todo lo doloroso y lo grotesco y los elementos sobrenaturales y la realidad, y su uso del humor. En cuanto a su lenguaje tiene una gran riqueza, variedad de registros empleados, uso de diversos tonos y modalidades que caracterizan sus personajes  y su intención critica. Ademas utiliza un lenguaje cursi, vulgarismos, palabras cultas… Cabe destacar su arte de dialogo y acotaciones. Su obra más representativa es Luces de Bohemia (1920) que narra la historia de un ciego (Max Estrella) y don Latino de Hispalis que actúa de lazarillo paseando por Madrid. La historia acaba con el ciego muerto en la puerta de su casa abandonado por su lazarillo. Entre 1921-27 aparecen 3 nuevos esperpentos que mas adelante aparecen junta en Martes de Carnaval.

El teatro de Lorca

Se puede considerar a Federico García Lorca como el creador del verdadero teatro poético. En su teatro cobran importancia la música, la danza y la escenografía. La temática de sus obras asombra por su unidad, el deseo de lo imposible, el conflicto entre la realidad y el deseo…Se puede dividir la evolución del teatro lorquiano en tres momentos: los tanteos o experiencias de los años 20, la experiencia vanguardista de principio de los 30 y la etapa de plenitud de sus últimos años. Su trayectoria dramática comienza con una obra juvenil de 1920, que fue un fracaso (el maleficio de la mariposa). Compone luego varias piezas breves con inspiración en el guiñol. Su primer éxito llega con otra obra muy distinta (Mariana Pineda). Luego tras su viaje a NY, Lorca escribe dos obras marcadas por una crisis personal y por la estética surrealista, a las que el mismo denomino como comedias imposibles. La plenitud dramática de Lorca concide con la formación  en 1932 de la barraca, una compañía de teatro dirigida por el. En este sentido la Concepción teatral de Lorca se basa en la convivencia entre poesía y realidad. Lorca se nutrió de tradiciones teatrales y de los clásicos. De estos utiliza la canción para crear tensión dramáticas y el planteamiento de problemas éticos y morales. En su producción dramática destacan los dramas rurales en los que los personajes femeninos ocupan el puesto central. Bodas de Sangre trata de una pasión que desborda las barreras sociales y morales, pero que desembocara en la muerte, el verso se mezcla con la prosa. Otra de sus obras es Yerma es el drama de la mujer condenada a la infecundidad. En esta obra se contrasta el ansia insatisfecha de maternidad y la fidelidad al marido, surgiendo de este choque la tragedia. Por ultimo la casa de Bernarda Alba que es considerada como la culminación del teatro lorquiano, Lorca consigue depurar los elementos líricos para ganar densidad dramática. En esta obra domina una prosa casi descarnada, pero también una poética plena de patetismo  y acento popular. La trayectoria dramática de Lorca es ejemplar y desemboca en pura expresión dramática. Paralelamente, los conflictos y los ambientes se han ido haciendo cada vez más hondos y enraizados en la realidad española, lo cual no ha sido obstáculo para su dimensión universal.

Teatro de postguerra

La Guerra Civil española (1936-39) marco un antes y un después en el desarrollo del teatro en España. El teatro de postguerra se considera como un teatro nacional al servicio de la dictadura debido a la férrea censura ejercida por el estado. Por lo que los géneros y modalidades del teatro tenían que ver con la evasión de la realidad, entretener al público y transmitir una ideología concreta. En los primeros años de la postguerra se crearon dos tendencias: La comedia burguesa con autores como Jacinto Benavente (Aves y pájaros) y el teatro de humor con autores como Jardiel Poncela (Eloísa está debajo de un almendro). Aunque el teatro que más triunfo fue el teatro de testimonio social en el que a partir de un contexto, un argumento y unos personajes identificables se intentaba hablar de la realidad mostrando las circunstancias de la postguerra. En 1949 Buero Vallejo escribe Historia de una escalera lo que produce un cambio radical en los autores y comienzan a escribir dramas realistas. Buero Vallejo lo denominaba tragedia española moderna donde había una mezcla de simbolismo y Realismo (Alfonso sastre escuadra hacia la muerte). Los autores mas importantes del teatro de postguerra son: Miguel Miura y Alfonso Sastre. Miguel Miura distorsionaba la realidad mediante la imaginación y la fantasía poética. Su obra más destacada es tres sombreros de copa la cual está dividida en tres actos. El objetivo de esta obra es la burla a los tópicos de la vida burguesa y de las normas sociales. Alfonso Sastre es el máximo representante del teatro social. En sus obras son frecuentes las distorsiones espacio temporales a través de analepsis y predominan el tema de la opresión y el aspecto social sobre la individualidad. Su obra mas importante es Escuadra hacia la mueret en la que se desarrolla el conflicto entre el principio de autoridad y libertad.

Claves Ideológicas del teatro de Buero Vallejo

A pesar de los cambios sustanciales que se producen el la obra de Buero Vallejo a lo largo de mas de 40 años de carrera en sus dramas perdura la misma visión del mundo el cual se basa en la defensa incondicional de la dignidad del hombre. Focaliza sus obras en el tratamiento de los valores humanos. Utiliza personajes con limitaciones físicas y espacios reales con función simbólica y el deseo de ahondar ciertos aspectos de la naturaleza humana. Las obras de Buero giran entorno a unos personajes que buscan realizarse como personas y escapar de un mundo lleno de limitaciones. El autor parte de un planteamiento en el que la búsqueda de la felicidad, de la verdad y de la libertad están obstaculizados por el mundo en el que viven. Sin embargo no se trata de un teatro psicológico sino alegórico. Los personajes no son meros tipos sino personajes individualizados cuyos problemas individuales acaban por adquirir una dimensión más genérica. Esta delimitación socio-histórica de los perosnajes y tramas conduce a un teatro enfocado a la critica social. En sus obras presenta una imagen totalitaria del ser humano. En sus dramas se encuentra una reflexión acerca de diversos temas. Antonio Buero Vallejo conoció los efectos de la censura , que supusieron desde pequeñas modificaciones hasta la prohibición de sus textos. Para eludir a la censura en su obra Historia de una Escalera recurre a la representación alegórica de temas y elevar los conflictos de los personajes a esferas existenciales. Al decantarse por el posibilismo Buiero afirmaba que lo primero que necesita una obra es ser vista y para ello ha de pasar la censura para poder transformar al publico o la sociedad.

Claves estéticas del teatro de Buero Vallejo

En sus dramas perdura la misma visión del mundo , que se basa en la defensa incondicional de la dignidad del hombre. El autor siempre parte de un planteamiento en el que la búsqueda de la felicidad, de la verdad y de la libertad se ve obstaculizada por el mundo en el que vive. Sin embargo no se trata de un teatro psicológico sino alegórico. En sus inicios Buero adopto la línea del drma realista español, pero siguiendo el modelo de henriklbsen: un Realismo simbólico de alcance social. Muchos de los personajes de sus primeras obras  padecen alguna deficiencia física o mental. De este modo, evoca temas y situciones mediante el recurso de la alusión indirecta o simbólica es muy frecuente en su teatro. En ocasiones lo utiliza para evitar la censura. En otros momento el simbolismo adquiere una dimensión mas existencial o metafísica. En cuanto a las técnicas dramáticas, los dramas históricos potenciaron la voluntad de experimentación de Buero Vallejo, que empezó a ensayar con nuevas formas de tratar el tiempo y el espacio y a buscar mecanismos que permitieron al publico situarse a medio  caminoentre el distanciamiento critico y la implicación en la trama representada. Asimismo, se preocupo por conseguir el efecto de inmersión, con el que pretendía en el publico una participación mas psíquica que física y pudiera acceder directamente a la conciencia de los personajes. En este sentido sobresale la fundación en la cual el espactador descubre a medida que avanza el drama que ha aceptado como real la fantasía del protagonista. Muchas veces esto esta relacionado con el tratamiento del espacio y del tiempo. En cuanto al tiempo la introducción de la escenografía a través de acotaciones implícitas de varios momentos temporales, crea a veces un juego de perspectiva que persigue que el distanciamiento ayude en la superación o comprensión del conflicto del personaje.

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