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Técnica de pintura sobre tabla Gótico

PINTURA GÓTICA: EL TRECENTO EN Italia Y LA PINTURA FLAMENCA

Para Italia los siglos siguientes corresponden a sus nombres:

– S. XIV Trecento (1.300)

– S. XV Quattrocento (1.400)

– S.XVI Cinquecento (1.500)

Carácterísticas de la pintura gótica en general: El Naturalismo, como expresión del deseo de unir el hombre con la divinidad, lleva a analizar la naturaleza en sus más mínimos detalles. Ello contribuye a conseguir a lo largo de la pintura gótica su tan carácterístico sentido narrativo, que llegará en ocasiones a una precisión analítica cuya evolución final desembocará en el Realismo del S. XV, conseguido en la pintura flamenca. Este cambio de pensamiento se explica fundamentalmente por la profunda transformación religiosa, iniciada por San Bernardo y muy especialmente por San Francisco, que promueve un acercamiento al mundo que le rodea viendo en cada criatura un fiel reflejo de la divinidad. CUATRO ELEMENTOS:

* El dibujo: es el primer elemento compositivo que preocupa al pintor gótico.
Partiendo de esquemas del ROMánico, la línea se convierte en un elemento esencial de la pintura gótica en sus inicios (Gótico
Lineal). 

* El color: La pintura gótica es esencialmente colorista desde sus orígenes en la vidriera o en la miniatura, donde el color aparece como elemento dominante. Con el color no solo se consigue la policromía sino que produce un efecto de riqueza que acercaba al hombre a la divinidad. Al mismo tiempo, ofrece un carácter expresivo, simbólico, por el que cada color se liga a la expresión de un sentimiento, siendo así un elemento especialmente útil a la iconografía.

* La luz: No la encontramos en la pintura gótica hasta fases muy avanzadas. Es sustituida, sin embargo, por los fondos dorados, que responden a un sentido simbólico de la luz otorgado por los teólogos y los filósofos, para quienes alcanza un carácter trascendente, convirtiéndose en una evocación de lo sagrado e identificándose con Dios. A esto hemos de añadir el concepto de luz identificada como brillo, asimilándose también a la divinidad. Así pues, la utilización de fondos dorados permite que las figuras se muevan en una ficción de espacio sagrado. 

* El espacio: tiene un carácter sagrado e indeterminado. Se pasa de un desprecio total por el sentido espacial durante el gótico lineal, en el que se realiza una pintura plana, a la lenta recuperación de los valores del pasado, logrando un mayor grado de acercamiento al espacio real. El momento en que se produce este cambio, casi en paralelo con la evolución del concepto lumínico, es de nuevo el Trecento. 

PINTURA ITALIANA DEL TRECENTO: SIENA Y FLORENCIA


Había dos escuelas que dominaban el panorama pictórico de Italia durante el Trecento: SIENA Y FLORENCIA

* Simone Martini fue el máximo representante de esta escuela, Simone tiene un lenguaje artístico muy personal, caracterizado por un cierto “bizantinismo” *Aire delicado, amable, despreocupado y cortesano.* Preferencia de las bellas líneas, gráciles y onduladas, a las masas sólidas. Tratamiento estilizado de la figura humana.*
Arte miniaturístico, que gusta de acumular figuras y elementos anecdóticos, faltando la claridad narrativa que es propia de la pintura florentina.* Sigue utilizando los fondos dorados que permite concentrar la atención sobre los personajes.* “Maniera griega” la imitación de los mosaicos bizantinos; es decir, la representación de iconos recortados sobre fondos dorados* Pintores sieneses no renunciaron nunca a este lenguaje orientalizante, pero lo regeneraron con novedades caligráficas del Gótico que le llegaban de Francia (miniaturas)* Exprésó la síntesis de ambas corrientes, produciendo un arte preciosista

* Sus temas más carácterísticos son los dedicados a la Virgen, destacando la “Maestá” de 1315 para el Palacio Público de Siena, un icono de la Virgen bajo palio, rodeada de los santos locales, y, por supuesto, su “Anunciación” del Mus. 

B) Escuela florentina y Giotto

* Giotto es el artista más relevante del Trecento italiano si atendemos tanto al volumen de su obra cuanto a la trascendencia de la misma. Supone un cambio profundo en la evolución de la pintura gótica, así como en la historia de la pintura en general. Sus obras más famosas son sus grandes conjuntos murales (frescos) de la iglesia Alta de Asís, de la Capilla Scrovegni en Padua y de la iglesia de la Santa Croce de Florencia (capillas Peruzzi y Bardi). Creador de un nuevo lenguaje artístico en el que se renuevan los conceptos espacial, lumínico y narrativo, desarrolla una serie de avances técnicos que hacen de él el iniciador de la pintura moderna.

* La pintura del Trecento italiano rompe con la pintura gótico, rígida y simbolista. La pintura del trecento apuesta por la belleza naturalista y el juego de volúMenes.

* Sensación de profundidad y de espacio. S

* Pero su pintura es puro Naturalismo lleno de expresividad y vigor. El ser humano adquiere un carácter protagonista

* Respecto de los paisajes, los concibe muy simples y empequeñecidos (unas montañas, algunos árboles, un cielo azul…) de forma que es la figura y no el marco lo que le interesa. Sus arquitecturas son también pequeñas e inverosímiles, llegando incluso a efectos propios del teatro. Utilizaba sombreados y marcos reales, paisajes rurales y urbanos esuqemáticos.

* Crea escenas con tinte dramático, como las de Asís. Utiliza y domina un amplio repertorio gestual, para representar actitudes, sentimientos,…, que en ocasiones alcanzan un fuerte contenido dramático

Piso inferior, políptico cerrado

* 4 grandes nichos enmarcados con arcos y columnillas.

* Los dos centrales los ocupan las dos supuestas estatuas sobre pedestales de los santos Juan Bautista y Juan Evangelista. Es una “técnica de grisalla” que agradará y se difundirá especialmente en la pintura flamenca de todo el s. XV.

* Los dos laterales presentan a Joos Vyd y Elisabeth Borluut, que han sido retratados sin concesiones. No hay asomo de belleza o signos de noble dignidad en ninguno de los dos. Rostros duros pintados implacablemente. Como se les ha situado en nichos iguales a los otros y, sin embargo, son bastante más grandes que los santos, apenas disponen de espacio. Aspecto de rotundo volumen. La luz incide en sus cabezas y colabora a remarcar los rasgos ya de por sí poco gratos de los retratados. Constituyen una muestra carácterística del retrato realista que nos ofrecerá continuamente Jan van Eyck.


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